Titre original : Asger Jorn – Go to Hell with Your Money (Allez au diable avec votre argent)
Genre : Biopic / documentaire
2014, Danemark, durée : 59 min
Réalisateur : Anna Von Lowzow, Lene Borch Hansen
Production : Louise Birk Petersen
Français, Anglais, Italien, Danois
Sous-titres : Anglais

Synopsis : Grande figure de l’art danois du XX^e siècle, peintre et sculpteur, lié à COBRA et à d’autres mouvements d’avant-garde, Asger Jorn (1914−1973) incarne le mythe de l’artiste sans le sou qui a tout sacrifié pour une vie de bohème, affrontant des conditions très difficiles et dont la reconnaissance fut tardive. Jorn, disparu prématurément à l’âge de 59 ans, a déployé, tout au long de sa vie, une activité prodigieuse. Le film rend hommage à cet artiste habité d’une foi inébralable, en s’appuyant sur sa correspondance privée, ses journaux intimes, des photos et vidéos inédites, et des entrevues avec des gens qui l’ont cotôyé.

L’exposition « La Haute Note Jaune » présente 4 peintures d’Asger Jorn.
La Fondation remercie les réalisatrices Anna Von Lowzow, Lene Borch Hansen et la productrice Louise Birk Petersen, ainsi que les prêteurs des œuvres : le Kunstmuseum St.Gallen, le Musée d’Art Moderne et Contemporain de Strasbourg et la Fondation Gandur pour l’Art, Genève.

En 1964, après avoir été informé de sa sélection comme lauréat du Prix international Guggenheim, Asger Jorn a envoyé le télégramme suivant à Harry Guggenheim :
 » Allez au diable avec votre argent. (Bâtard) refuse prix. Ne l’a jamais demandé. Contre toute décence, mélangez l’artiste contre son gré à votre publicité. Je veux la confirmation publique de ne pas avoir participé à votre jeu ridicule. »

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Titre original : Claude Cahun : Elle et Suzanne
Genre : Biopic
Année : 2015
Pays d’origine :  France
Durée : 1 h 47 min
Réalisateur : Fabrice Maze
Production : Aube & Oona Elléouet Breton – Seven Doc

Synopsis : Claude Cahun (Lucie Schwob) est une femme indépendante, émancipée, rentière, homosexuelle non militante, « écrivain errant », artiste polyvalente, révolutionnaire, antifasciste, individualiste, surréaliste atypique, en un mot inclassable. Hors de tout conformisme par souci de différenciation perpétuel et « manie de l’exception », elle offre une œuvre photographique innovante et déconcertante où elle se met en scène avec l’aide de sa compagne, Marcel Moore (Suzanne Malherbe), avec qui elle a partagé toute sa vie. Un couple mythique, souvent occulté, malgré leurs nombreux travaux collectifs. « Toute création est création de soi », écrit Claude Cahun, rebelle à toute identification et pour qui « les étiquettes sont méprisables ». « Ne voyager qu’à la proue de soi-même », tel est son désir.

+ sur les artistes

« Je suis l’œuvre de ta vie » écrivait Claude Cahun (Lucie Schwob) à sa compagne Marcel Moore (Suzanne Malherbe) dès 1914. Sœurs par alliance et amantes depuis l’adolescence, les deux artistes ont construit une œuvre photographique et littéraire durant près de quarante ans, toujours signée du seul nom de Cahun. Originaires de Nantes, proches de la communauté surréaliste à Paris dans les années 1920, elles frayent un chemin très personnel qui interroge à la fois l’identité artistique et sexuelle. Leur coopération, reposant sur des compétences complémentaires, s’exprime autant dans l’édition que le théâtral expérimental durant l’entre-deux guerres. Entrées en résistance sur l’île de Jersey pendant l’Occupation, leur engagement politique témoigne d’une relation toujours placée sous le signe de l’anonymat collectif. (source ici)

L’exposition « La Haute Note Jaune » présente 5 photographies de Claude Cahun.
La Fondation remercie la Jersey Heritage Collections, prêteuse des œuvres.

Dans le cadre de l’exposition La Haute Note Jaune qui présente plusieurs peintures de l’artiste allemand Albert Oehlen,
nous organisons une projection du film Painter réalisé en 2021 par l’artiste et Oliver Hirschbiegel, un docufiction avec Ben Becker et la voix de Charlotte Rampling.

La projection a lieu dans l’auditorium de LUMA Arles, situé dans la Tour au niveau 1.

Gratuit, sur réservation en ligne ICI
Version originale : Allemand – sous-titré en anglais

à propos du film

Fiction, documentaire, performance filmée ? L’acteur Ben Becker incarne à l’écran le peintre Albert Oehlen créant une peinture. Le film traverse les frontières formelles et questionne le sens du processus créatif et la lutte pour l’authenticité à différents niveaux. Comme le peintre l’affirme lui-même, « l’art doit montrer son processus interne de réalisation, à l’image d’une mécanique dénudée et totalement visible, et ne doit pas être le terrain d’expression sensible de l’artiste. »
/Jean-Charles Vergne

à propos de l’artiste Albert Oehlen
Né en 1954 à Krefeld, Allemagne ; vit à Gais, Suisse
L’œuvre d’Albert Oehlen, rattachée au néo-expressionnisme, emprunte aux gestes et à la logique conceptuels. Relié au mouvement punk et à la pensée de la gauche allemande des années 1970, il ne cesse de questionner le caractère autoritaire et dominant de la peinture, tentant de la délivrer de ses obligations et référentiels historiques. Il en ressort des œuvres expérimentales en prise avec les multiples crises idéelles ou formelles qui traversent l’époque contemporaine.

Lundi 16 octobre, à 19h
Entrée libre, Durée : 1h20
Programme détaillé ci-dessous

Le Monde en soi, de Jean-Charles Finck, Sandrine Stoïanov (France, 2020)

At Land, de Maya Deren (Ukraine, 1944)

Mademoiselle Kiki et les Montparnos, d’Amélie Harrault (France, 2013)

PROGRAMME :

Les Résultats du féminisme, d’Alice Guy (France, 1906)

Film muet, 6 minutes

Nous sommes en 1906. Les rôles très partagés des hommes et des femmes de cette époque sont inversés. Les hommes font de la couture, vont chercher les enfants à l’école, repassent, tandis que les femmes fument le cigare, boivent au bar, harcèlent les hommes dans la rue…

Mademoiselle Kiki et les Montparnos, d’Amélie Harrault (France, 2013)

Film d’animation, 15 minutes

Kiki de Montparnasse était la muse infatigable des grands peintres avant-gardistes du début du xx^e siècle. Témoin incontestable d’un Montparnasse flamboyant, elle s’émancipera de son statut de simple modèle et deviendra reine de la nuit, peintre, dessinatrice de presse, écrivaine et chanteuse de cabaret. Muse suprême ou femme moderne ?

Le Monde en soi, de Jean-Charles Finck et Sandrine Stoïanov (France, 2020)

Film d’animation, 18 minutes

Une jeune peintre préparant sa première exposition s’investit dans sa création jusqu’à perdre pied et sombrer dans un chaos hallucinatoire. Cloîtrée dans une clinique, elle se reconstruit lentement par la peinture et l’observation quotidienne d’un écureuil à travers la fenêtre.

Thèmes et variations, de Germaine Dulac (France, 1928)

Film expérimental, 9 minutes

« J’évoque une danseuse ! Une femme ? Non. Une ligne bondissante aux rythmes harmonieux. J’évoque sur des voiles une projection lumineuse ! Matière précise ! Non. Rythmes fluides. Les plaisirs que procure le mouvement au théâtre, pourquoi les mépriser à l’écran ? Harmonie des lignes. Harmonie de lumière. Lignes, surfaces, volumes évoluant directement, sans artifices d’évocations, dans la logique de leurs formes, dépouillées de tout sens trop humain pour mieux s’élever vers l’abstraction et donner plus d’espace aux sensations et aux rêves : le cinéma intégral. » Germaine Dulac

At Land, de Maya Deren (États-Unis, 1944)

Film muet expérimental, 15 minutes

Silencieusement, une femme se réveille sur une plage alors que les marées s’inversent… At Land est un voyage dans l’inconscient de la réalisatrice et protagoniste Maya Deren. Née sous le nom d’Eleanora Derenkovskaïa, Maya Deren (1917, Kiev – 1961, New York) est une cinéaste et artiste influente, considérée comme la « mère » de l’avant-garde cinématographique américaine. Ses films, en appréhendant le corps humain et la psyché, démontrent le potentiel du cinéma pour explorer ces sujets.

Autobiographical Patterns, de Zineb Sedira (France, 1996)

Vidéo d’artiste, 9 minutes

Dans Autobiographical Patterns, l’artiste fait le choix de fragmenter son corps : elle ne montre que sa main, posée sur un fond blanc, et elle écrit dessus silencieusement de manière rapide et obsessionnelle, en français, en arabe et en anglais. Elle raconte son histoire personnelle, de sa naissance en France jusqu’à son installation à Londres. Le processus d’écriture donne à l’artiste la possibilité d’écrire sa propre fiction identitaire.

The Debutante, d’Elizabeth Hobbs (Royaume-Uni, 2022)

Film d’animation, 8 minutes

Une jeune fille pétillante demande à une hyène du zoo de Londres de prendre sa place à une soirée mondaine organisée en son honneur. Leur petit arrangement nécessitera une bonne dose d’ingéniosité et de violence. D’après une nouvelle de Leonora Carrington.

PROGRAMME :

Van Gogh, d’Alain Resnais (France, 1947)
Documentaire, 18 min
Ce film tente de retracer, uniquement à l’aide de ses œuvres, la vie et l’aventure spirituelle de l’un des plus grands peintres modernes. Si le génie et l’importance de Vincent van Gogh sont aujourd’hui universellement reconnus, l’artiste a dû lutter et travailler désespérément, dans la misère et au milieu d’une indifférence presque générale, pour essayer d’atteindre à travers sa peinture l’absolu qu’il entrevoyait.

A musa de Van Gogh, de Thiago Pedroso et Rafael Frazão (Brésil, 2013)
Fiction, 15 min
Que ferait Van Gogh à São Paulo ? Le film imagine comment vivrait aujourd’hui le grand peintre, ou du moins l’un de ses spectres : celui qui veut sortir de la solitude en se promenant dans l’une des plus grandes villes du monde : São Paulo.

Mona Lisa Descending a Staircase, de Joan C. Gratz (États-Unis, 1992)
Animation, 7 min
Utilisant le morphing et la glaise peinte, une technique d’animation dont elle est la pionnière, Joan C. Gratz explore les travaux de 35 icônes de l’art moderne, de Vincent van Gogh à Pablo Picasso en passant par Andy Warhol, et met en valeur un siècle de création artistique.

Vincent 2, le retour de Xavier Coton (France, 1991)
Fiction, 23 min
Le titre hollywoodien de ce court métrage annonce un hypothétique retour de Vincent van Gogh à Arles dans les années quatre-vingt-dix. Le réalisateur joue avec les anachronismes et offre l’occasion de découvrir Theo et Vincent communiquer par téléphone…

Bavure, de Donato Sansone (France, 2018)
Animation, 5 min
Bavure dépeint l’évolution d’un être, depuis sa création jusqu’à sa prise de conscience des mystères de l’univers, et propose une métaphore de la création du monde doublée d’une parabole sur la création artistique.

Les films présentés à cette occasion révèlent tous des types de relations singulières entre humains et animaux. Au cours d’errances nocturnes ou de fantasmes éveillés, corbeaux, chiens errants, sangliers et hippocampes deviennent bien souvent les personnages principaux de ces créations fictives ou documentaires. À travers les points de vue qu’ils et elles choisissent, ces artistes interrogent la part de rêve contenue dans notre entente avec les différents acteurs du monde vivant, avec lesquels nous partageons les mêmes espaces de vie.

Programme :

Patrick Goddard, Whoopsie’s Dream, 2022, 20 min
Anglais sous-titré en français

Patrick Goddard est né en 1984 et vit et travaille à Londres. Diplômé des universités d’Oxford et de Goldsmiths, il crée principalement des vidéos, des sculptures et des installations, tout en travaillant également avec la photographie, la peinture et le dessin. Ses œuvres narratives et politiquement chargées se minent elles-mêmes avec une comédie noire autodestructrice, car elles retracent les tentatives maladroites de l’artiste de créer une intégrité personnelle et politique. Ses œuvres portent sur un large éventail de sujets : l’écologie, l’Anthropocène et l’animal, la politique raciale, la gentrification et l’urbanisation.

Benjamin Mouly, For the birds, la sieste, 2022, 15 min

L’homme a décidé d’aller se reposer au grand air. Il se love dans un tapis d’herbe confortable et un corbeau s’invite à ses côtés. Du crépuscule au petit jour, trouver le sommeil devient alors une entreprise périlleuse pour nos deux hôtes.

Né en 1987, Benjamin Mouly est artiste plasticien. Après une année de résidence à la Casa de Velázquez de Madrid entre 2019-2020, il vit et travaille à Marseille. Benjamin Mouly développe une pratique pluridisciplinaire traversée par la question de l’image. En utilisant la vidéo, la photographie, l’installation ou la performance, il investit l’écart entre l’expérience corporelle et visuelle d’un réel instable et les techniques normalisées de sa capture.

Andro Eradze, Nightvision, Limited access, 2021, 3 min

Andro Eradze, né en 1993, vit et travaille à Tbilissi, en Géorgie. Il a étudié à la Shota Rustaveli Film Academy, ainsi qu’au programme MFA du CCA-T (Center of Contemporary Art Tbilisi). La pratique d’Eradze étudie la potentialité de l’animisme en tant que méthode. La photographie, les installations, les pratiques de cinéma expérimental et la vidéo se fondent dans un projet contemplant le présent qui s’estompe, dans lequel l’Anthropocène vacille, et tout fonctionne indépendamment de lui. S’appuyant sur l’héritage des approches alternatives de la réalité – surréalisme et réalisme magique –, ses images brouillent la distinction entre l’imaginaire et le réel.

Jean Painlevé, The Seahorse (L’Hippocampe), 1934, 15 min

Jean Painlevé est un réalisateur et biologiste français né en 1902 à Paris et mort le 2 juillet 1989 à Neuilly-sur-Seine. Étudiant la zoologie et la biologie avant de se consacrer au cinéma, il développe tout au long de sa carrière des techniques innovantes lui permettant de filmer de manière sous-marine ainsi que de réaliser des plans rapprochés. Il réalisera plus de 200 films, et participera à la démocratisation du documentaire animalier – son film L’Hippocampe rencontrera ainsi un véritable succès public. Proche de la pensée anarchique, il s’engage au début de la guerre dans la Résistance, et réalise Le Vampire (1945) film traitant du nazisme au travers de l’étude d’une chauve-souris d’Amérique du Sud. Le musée du Jeu de Paume à Paris lui a consacré une importante rétrospective en 2022.

Louise Lawler, Birdcalls, 1972–81, audio, 7min
LeWitt Collection, Chester, Connecticut

Pour cette œuvre, Louise Lawler a sonné les noms de divers artistes masculins bien connus – dont Vito Acconci, Carl Andre et Donald Judd – à la manière de cris d’oiseaux. L’humour et l’esprit sont contrebalancés par le fait que ces artistes masculins blancs sont continuellement reconnus comme étant à l’avant-garde de l’art, de ses discours et de ses histoires, sans qu’aucune attention symétrique ne soit accordée aux contributions significatives des femmes artistes et des artistes de couleur dans les discussions sur l’esthétique avancée.

Elsa Brès, Aux coups de fusil qu’on entend, 2022, 16 min

Elsa Brès est née en 1985 et vit à Bréau, dans les Cévennes. Elle est diplômée du Fresnoy – studio national d’arts contemporains en 2017 et de l’école d’architecture de Paris-Belleville en 2012, où elle a enseigné la théorie de l’architecture et du paysage. Ses films et installations s’attachent à des forces de résistance dans les paysages contemporains, et mêlent recherches, récits et expérimentations. Elle développe actuellement un nouveau film dans la région rurale française où elle vit, qui traite des sangliers comme alliés de lutte : Les Sanglières.

Projection en version originale italienne, sous-titrée en français.

En regard de l’exposition « Souffler de son souffle », la Fondation Vincent van Gogh Arles invite Fotokino à programmer une séance de cinéma « Vibrato ». Au programme, quatorze courts métrages poétiques et étonnants, en résonance avec les thématiques abordées dans l’exposition, pour les enfants et les adultes. Organique, météorologique ou mental, le souffle est cette force qui nous emplit et nous transporte, ou, au contraire, qui nous vide entièrement, lorsque nous en sommes privé·es. Inspiration divine, énergie créatrice, il appartient aux artistes, en particulier dans le domaine du cinéma d’animation, art qui permet d’insuffler la vie à des objets inanimés. En peinture, dessin ou volume, les films de ce programme font virevolter nos sens et bousculeront nos perceptions…

Depuis 2004, Fotokino propose Laterna Magica, un rendez-vous dédié aux arts de l’image, à Marseille et au-delà. Expositions, projections, spectacles, rencontres et ateliers prennent place dans plus d’une quinzaine de lieux complices. Cette 18^e édition, qui se déroulera du 3 au 12 décembre 2021, vous fera de nouveau découvrir le travail de fabricant·es d’images fixes ou en mouvement, émergent·es ou majeur·es, et tissera des liens insolites entre création contemporaine et patrimoine.

Photo : La Petite Marchande d’allumettes, Anne Baillod et Jean Faravel, France, 2016, 10 min

Glenn Belverio / Sadie Benning / Dana DeGiulio / Hannah Quinlan & Rosie Hastings
Anna Mantzaris / Ridykeulous / Tom Rubnitz et Ann Magnuson

La soirée « À propos de sentiments, de rires et de rues » propose une immersion dans la prolifique scène expérimentale féministe, lesbienne et queer du New York des années 1980-1990. Radicale, chargée d’un humour grinçant ou d’une ironie critique, cette culture underground, ses recherches formelles et ses thématiques imprègnent notamment le travail de Nicole Eisenman, actuellement présenté à la Fondation Vincent van Gogh Arles.

Cet évènement mettra entre autres à l’honneur les films du collectif Ridykeulous, fondé par Eisenman et A.L Steiner en 2005, ainsi que les productions du journaliste et artiste américain Glenn Belverio, telle The Lesbian Museum (1992) ; ce sera également l’occasion de découvrir la pratique d’artistes plus jeunes, issu·es notamment de l’animation.

L’homosexualité, l’identité ou le désir sont quelques-unes des questions qui traversent ces films intimes, satiriques ou politiques qui seront projetés en plein air dans la cour de la Fondation.

Programme :

Ridykeulous (Nicole Eisenman + A.L. Steiner), Times Square S.C.U.M. MANifesto (2011)

7 min (anglais sous-titré)

Ridykeulous est une initiative curatoriale portée par les artistes Nicole Eisenman (*1965, Verdun) et A.L Steiner (*1967, Miami) et créée en 2005. Ridykeulous réalise des expositions et des évènements autour des questions féministes et queer tout en développant des stratégies humoristiques pour critiquer le monde de l’art et la culture de masse.

Hannah Quinlan & Rosie Hastings, Everything Is Folly In This World That Does Not Give Us Pleasure (2021)

2 min 26

Hannah Quinlan (*1991) & Rosie Hastings (*1991) forment un duo basé à Londres. À travers le dessin, le film, l’installation, la performance et la fresque, leur pratique examine les comportements, l’histoire, la politique et les artefacts de la culture LGBTQIA+ dans le contexte occidental. Quinlan et Hastings s’attachent à dénoncer le nationalisme, la masculinité et le principe de « whiteness » au sein de la communauté LGBTQIA+, ainsi que les effets sur cette dernière de la violence exercée par l’État, via notamment le maintien de l’ordre, l’embourgeoisement et l’austérité.

Glenn Belverio, The Lesbian Museum, 1992

29 min (anglais non sous-titré)

Réalisateur de films indépendants vivant et travaillant à New York, Glenn Belverio (*1975, New York) commence à produire et co-animer sur une chaîne privée américaine en 1990 la série populaire The Brenda and Glennda Show, de laquelle est tiré l’épisode The Lesbian Museum. Cette émission consistait à populariser l’art des drag-queens tout en s’intéressant aux questions politiques et de genre qui animaient la société américaine de l’époque. Dans The Lesbian Museum, Brenda et Glennda interviewent des artistes lors du vernissage de l’exposition controversée de Christine Martin, « The Lesbian Museum : 10 000 années d’envie du pénis » au Franklin Furnace. Pour l’exposition, chaque artiste participant·e (y compris Brenda et Glennda) a reçu un godemiché et a été invité·e à le transformer en œuvre d’art.

Dana DeGiulio, Dr Zoom – Episode 1-12, 2020

8 min 41 s (anglais non sous-titré)

La peinture de l’artiste Dana DeGiulio (*1978, Chicago) pose la question de l’action et de la matérialité de l’image. Son travail – que ce soit en vidéo, dessin, installation ou écriture – ainsi que sa pratique de l’enseignement portent sur les bordures, le toucher et l’attention. Professeure itinérante d’arts visuels depuis quatorze ans, Dana DeGiulio enseigne actuellement à l’université de New York, à celle de Columbia ainsi qu’à la School of the Art Institute de Chicago. Elle travaille chez elle, à Brooklyn, près de sa fenêtre.

Hannah Quinlan & Rosie Hastings, Gaby, 2018

7 min 55

La première partie de ce film comprend un montage de différents clips vidéo dans lesquels des policiers en service dansent lors de marches des fiertés sur Y.M.C.A., l’emblématique chanson de Village People datant de 1978. Au cours de la dernière décennie, des séquences similaires ont fait la une des médias, déclenchant une réaction positive unanime. Souvent rejoints par des manifestants, les officiers sont généralement filmés avec des téléphones portables, et leur apparente amabilité contraste fortement avec la montée alarmante de la brutalité policière aujourd’hui. Le film se poursuit par une animation autour d’un numéro de 1977 du magazine gay Christopher Street, qui vante la propension des communautés gays, principalement blanches et masculines, à rajeunir les quartiers délaissés et à « sauver » Manhattan des « taudis » – dans ce qui peut être compris comme les premiers témoignages d’une histoire queer de la gentrification à New York.

Sadie Benning, If Every Girl Had a Diary, 1990

8 min

Sadie Benning (*1973, Madison) est un·e réalisateur·rice et artiste autodidacte d’orignie américaine. Reconnu·e pour ses films intimes abordant les questions de l’homosexualité, de l’identité et du désir, iel connaît un certain succès sur la scène artistique américaine des années 1990. Sadie Benning demeure aujourd’hui l’un·e des plus fameux·ses représentant·es de la culture underground new-yorkaise de cette époque.

Tom Rubnitz et Ann Magnuson, Made for TV, 1984

15 min (anglais non sous-titré)

Thomas Rubnitz (1956, Chicago – 1992, New York) est un artiste particulièrement connu pour les vidéos qu’il a réalisées dans les années 1980-1990. Originaire de Chicago, il passe la majeure partie de sa vie dans l’East Village de New York, haut lieu de la culture gay et queer américaine. Cette figure emblématique de la scène underground new-yorkaise de l’époque laisse derrière elle une œuvre essentielle, politique, joyeuse et insolente. Tom Rubnitz meurt des suites du sida en 1992.

Anna Mantzaris, ENOUGH, 2017

2 min 22 s

Réalisatrice et cinéaste d’animation d’origine suédoise, Anna Mantzaris (*1986, Stockholm) est titulaire d’une maîtrise en animation du Royal College of Art de Londres. Ses films ont remporté plus de 80 prix internationaux, dont le Prix européen de l’animation, le prix Vimeo du meilleur film de l’année, le prix Walt Disney et le prix du public au Festival international d’animation d’Ottawa. Elle enseigne occasionnellement et a notamment été conférencière au Royal College of Art à Londres, à l’université des arts à Stockholm et à la National Film & Television School en Angleterre.

Version originale, sous-titrée en français
Durée : 1h20
Bande annonce : https://youtu.be/MaSL5GxDl90

Les réalisateurs Haibo Yu et Tianqi Kiki Yu ont suivi le quotidien et l’extraordinaire aventure de Zhao Xiaoyong et sa famille qui ont produit en vingt ans plus de 90 000 copies de peintures de Van Gogh.

Ancien paysan, Zhao n’a aucune formation en peinture et n’a jamais vu de tableau original du maitre hollandais, mais a rapidement appris à copier le travail de Van Gogh pour gagner sa vie à Dafen, une ville où presque tous les habitants vivent de la peinture. Après avoir épousé une migrante, le couple a ouvert un petit studio et élevé une famille ensemble.

Bien que contraint par son travail répétitif de copiste, Zhao est profondément passionné par Van Gogh. Il réussira à accomplir son rêve de marcher sur les pas de son maitre et mentor, à Amsterdam puis à Arles. Ce voyage lui permettra de trouver son propre chemin d’artiste…

Les mots des réalisateurs Haibo Yu & Kiki Tianqi Yu :

Alors que la Chine est toujours associée dans l’esprit de beaucoup à la contrefaçon et à l’imitation, Copyright Van Gogh montre que l’histoire du village de la peinture à l’huile, Dafen, est en soi une œuvre d’art contemporain, un work-in-progress en constante évolution. Le documentaire se concentre sur la vie intime du peintre Zhao et sa famille pour chercher des réponses aux questions fondamentales sur l’art. Dafen peut-il devenir l’un des pôles créatifs à succès de la Chine, ou restera-t-il tributaire du travail d’artistes occidentaux décédés ? Ces copies de tournesols fabriqués à Shenzhen sont-ils une violation des principes du grand art ou la preuve d’une démocratisation de l’art pour un public mondial ? Le copieur peut-il devenir créateur ?

Copyright Van Gogh n’est pas seulement un film sur Dafen. C’est un film qui explore la relation entre le local et le global, la copie et l’original, l’artisanat et la créativité. Il questionne le sens même de l’art à une époque où la Chine passe du « made in China » au « créé en Chine ».

En savoir plus : https://chinasvangoghs.com/
Distributeur : ASC Distribution, distributeur de cinéma indépendant
Sortie en salles le 22 décembre 2021

Distinctions (sélection) :

2018 : DOC-Cévennes – Festival International du Documentaire en Cévennes – Lasalle (France) – Séance spéciale

2017 : Visions du Réel – Nyon (Suisse) – Compétition Section « Grand Angle »

2017 : DocPoint – Helsinki Documentary Film Festival – Helsinki (Finlande) – Sélection

2016 : IDFA – International Documentary Festival Amsterdam – Amsterdam (Pays-Bas) – Sélection