Sigmar Polke, Kartoffelhaus (Maison en pomme de terre), 1967-1990
Bois, clous et pommes de terre
Pinault Collection

Les pommes de terre de cette cabane, en tant que produits du quotidien, témoignent de la proximité de Polke avec le pop art étasunien, mais marquent aussi une distance avec ce courant : elles demeurent un symbole antiglamour et anticonsumériste, emblématique de la pauvreté de l’Allemagne d’après-guerre et de la ruralité européenne. Comme Van Gogh trois générations avant lui, Polke s’empare de cet aliment aux antipodes des goûts de la bourgeoisie afin de souligner l’intérêt et la valeur qu’il accorde au monde populaire et à la paysannerie. Entre 1967 et 1969,
plusieurs de ses travaux mobilisent ce motif.
Dans une fausse autobiographie facétieuse, Friedrich W. Heubach lui fera dire : « S’il y a bien quelque chose qui en soi et en bloc offre matière au débat perpétuel en art, réunissant créativité, spontanéité, productivité et exultation, c’est la pomme de terre. » C’est notamment la force de germination du tubercule qui intéresse l’artiste, car elle peut évoquer l’inspiration et la production artistiques : même ici, la pomme de terre va continuer à germer.

Alake Shilling est peintre et sculptrice. Son travail, marqué par la thématique de l’enfance et les pratiques amateurs, est fortement influencé par l’univers coloré et fantaisiste de Lisa Frank (célèbre aux États-Unis pour ses produits de papeterie et autres fournitures scolaires) mais aussi par la nature, la musique disco et les dessins animés. Malgré leur puissance et leur palette vive, ses œuvres demeurent ambiguës : en apparence douces et naïves, elles bousculent notre réception de cette catégorie d’images enfantines, que ce soit par les thèmes qu’elles abordent ou par la manipulation et la distorsion qu’elles semblent avoir subies. Les personnages d’Alake Shilling apparaissent comme des allié·es, des figures de résistance face à un monde aussi fragile que violent.

Laura Owens à propos d’Alake Shilling :
Ce qui pourrait être écœurant et excessif ne l’est jamais ; c’est de l’extase contenue dans un monde sale et glissant… Ces œuvres sont brouillonnes, imparfaites, rondes, compressibles, mangeables, explosives et agitées.

Alake Shilling, Little Rocky Bubble Bath (Bain moussant Little Rocky), 2018
Huile, acrylique, sable, mousse, farine et paillettes sur toile
Collection privée

(Re)Plongez dans la vie et l’œuvre de Van Gogh lors d’une conférence d’une demie-heure en compagnie d’une médiatrice de la Fondation !

Actuellement, deux tableaux de la période arlésienne de l’artiste ainsi que plusieurs fac-similés de sa correspondance sont présentés.

Vue de l’exposition. Photo : François Deladerrière

Vincent van Gogh,
Champ de blé avec coquelicots
(Field with Poppies), Arles, mai 1888
Huile sur toile
Van Gogh Museum (Vincent van Gogh Foundation), Amsterdam
Photo : François Deladerrière

Vincent van Gogh,
Les Épis verts (Green Ears of Corn), Arles, juin 1888
Photo : François Deladerrière
Huile sur toile
Musée d’Israël, Jérusalem
Donation de la Fondation Hanadiv

(Re)Plongez dans la vie et l’œuvre de Van Gogh lors d’une conférence d’une demie-heure en compagnie d’une médiatrice de la Fondation !

Actuellement, deux tableaux de la période arlésienne de l’artiste ainsi que plusieurs fac-similés de sa correspondance sont présentés.

Vincent van Gogh,
Les Épis verts (Green Ears of Corn), Arles, juin 1888
Photo : François Deladerrière
Huile sur toile
Musée d’Israël, Jérusalem
Donation de la Fondation Hanadiv

Née en 1961 à Pasadena, États-Unis ; vit à Paris, France
Nina Childress est au début de sa carrière liée à la scène musicale punk parisienne des années 1980 et membre du collectif des Frères Ripoulin.
Influencée par la culture populaire autant que par sa vie personnelle, son exploration picturale variée et tout en ruptures va de l’hyperréalisme à la peinture phosphorescente. Marquées par une multiplicité de formats et de sujets, les œuvres de Nina Childress sont autant de témoignages sensibles, critiques et profondément libres sur une génération, son époque et les mouvements artistiques qui l’ont traversée.

Vue de l’exposition avec l’œuvre de Nina Childress

Louise Bourgeois passe la majeure partie de sa jeunesse à Paris avant de subir le rejet d’André Breton et des surréalistes et de partir vivre à New York en 1938.

Aux États-Unis, elle développe un art singulier autour de la sculpture et de la répétition de formes, d’idées et de figures tels que la cellule, l’araignée ou encore l’hystérie. Profondément inspirée par
ses expériences personnelles et sa découverte de la psychanalyse, Louise Bourgeois produit des œuvres aux références multiples, nourries des ressorts de l’intime et de la violence du commun.

Vue de l’exposition avec les oeuvres de Louise Bourgeois et Martha Jungwirth