& Vincent van Gogh, avec le tableau Arbres, juillet 1887, Paris

Alors que se multiplient les signaux invitant à repenser l’opposition entre nature et culture et que l’influence néfaste de l’être humain sur la planète devient toujours plus évidente, l’exposition « Nature humaine – Humaine nature » propose d’explorer la complexité des interactions entre l’humain et la nature.

Artiste éveillé et avant-gardiste à une époque d’intense industrialisation, Vincent van Gogh a souvent évoqué dans son travail la nature et la possibilité d’une union avec elle. Sa vision panthéiste peut dès lors devenir un filtre à travers lequel considérer les œuvres contemporaines, afin d’appréhender les multiples contrastes ou affinités que les artistes d’aujourd’hui entretiennent vis-à-vis de l’héritage de Van Gogh.

Si les quatorze artistes présenté·es dans « Nature humaine – Humaine nature » semblent partager le même désir de souligner les urgences qui nous attendent et de repenser nos comportements, ils et elles choisissent de mobiliser des univers différents – celui du rêve, celui de la poésie ou encore les relations archétypales entre l’être humain et le monde végétal et animal. Leurs œuvres, des sculptures, des dessins ou bien des vidéos saisissant des éléments apparemment bucoliques ou évoquant une funeste domination de l’humain sur le reste du vivant, deviennent autant de miroirs faisant remonter du plus profond de l’histoire de l’humanité des aspects oubliés de notre manière d’être au monde ou des questionnements existentiels trop souvent mis de côté.

L’intrusion de l’artificiel et du numérique dans nos domaines vitaux, dans notre quotidien et dans nos corps, est également mise en lumière à travers certaines œuvres de l’exposition afin de mieux éprouver ce que sont devenus, pour nous, l’élémentaire et l’essentiel.

Commissaires d’exposition :

Bice Curiger, Julia Marchand, Margaux Bonopera

Version originale, sous-titrée en français
Durée : 1h20
Bande annonce : https://youtu.be/MaSL5GxDl90

Les réalisateurs Haibo Yu et Tianqi Kiki Yu ont suivi le quotidien et l’extraordinaire aventure de Zhao Xiaoyong et sa famille qui ont produit en vingt ans plus de 90 000 copies de peintures de Van Gogh.

Ancien paysan, Zhao n’a aucune formation en peinture et n’a jamais vu de tableau original du maitre hollandais, mais a rapidement appris à copier le travail de Van Gogh pour gagner sa vie à Dafen, une ville où presque tous les habitants vivent de la peinture. Après avoir épousé une migrante, le couple a ouvert un petit studio et élevé une famille ensemble.

Bien que contraint par son travail répétitif de copiste, Zhao est profondément passionné par Van Gogh. Il réussira à accomplir son rêve de marcher sur les pas de son maitre et mentor, à Amsterdam puis à Arles. Ce voyage lui permettra de trouver son propre chemin d’artiste…

Les mots des réalisateurs Haibo Yu & Kiki Tianqi Yu :

Alors que la Chine est toujours associée dans l’esprit de beaucoup à la contrefaçon et à l’imitation, Copyright Van Gogh montre que l’histoire du village de la peinture à l’huile, Dafen, est en soi une œuvre d’art contemporain, un work-in-progress en constante évolution. Le documentaire se concentre sur la vie intime du peintre Zhao et sa famille pour chercher des réponses aux questions fondamentales sur l’art. Dafen peut-il devenir l’un des pôles créatifs à succès de la Chine, ou restera-t-il tributaire du travail d’artistes occidentaux décédés ? Ces copies de tournesols fabriqués à Shenzhen sont-ils une violation des principes du grand art ou la preuve d’une démocratisation de l’art pour un public mondial ? Le copieur peut-il devenir créateur ?

Copyright Van Gogh n’est pas seulement un film sur Dafen. C’est un film qui explore la relation entre le local et le global, la copie et l’original, l’artisanat et la créativité. Il questionne le sens même de l’art à une époque où la Chine passe du « made in China » au « créé en Chine ».

En savoir plus : https://chinasvangoghs.com/
Distributeur : ASC Distribution, distributeur de cinéma indépendant
Sortie en salles le 22 décembre 2021

Distinctions (sélection) :

2018 : DOC-Cévennes – Festival International du Documentaire en Cévennes – Lasalle (France) – Séance spéciale

2017 : Visions du Réel – Nyon (Suisse) – Compétition Section « Grand Angle »

2017 : DocPoint – Helsinki Documentary Film Festival – Helsinki (Finlande) – Sélection

2016 : IDFA – International Documentary Festival Amsterdam – Amsterdam (Pays-Bas) – Sélection

Théo Casciani est auteur. Rétine, son premier roman, a paru aux éditions P.O.L en 2019. Ses textes ont été publiés dans plusieurs revues comme AOC et Klima et présentés dans des institutions telles le Kyoto Art Center ou le centre Pompidou. Certains de ses travaux ont été traduits dans plusieurs langues et ont récemment donné lieu au séminaire « Speculor » organisé entre l’ENSAV de La Cambre et l’Université libre de Bruxelles. Il écrit actuellement un roman d’amour à paraître en 2023.

Poète, critique d’art et conteur d’exposition indépendant, Chris Cyrille-Isaac s’intéresse aux philosophies et esthétiques caribéennes. Il est membre de l’AICA (Association internationale des critiques d’arts) et a reçu le prix Dauphine pour l’Art contemporain (2017), le Prix Jeune Commissariat de la 69e édition de Jeune Création, et le Prix AICA en 2020. Il a réalisé le commissariat de l’exposition « – Mais le monde est une mangrovité » en 2021 à la galerie Jeune Création, et codirige la publication du catalogue (Rotolux, 2022).

Plasticien et musicien, le son est au cœur du travail de Jérôme Girard, diplômé de l’École national supérieure des Arts décoratifs. Il investit et s’approprie des savoir-faire artisanaux pour fabriquer des instruments de musique qui plongent les spectateur·rices dans de véritables environnements où la déambulation permet de faire varier la bande son de l’espace. Il a récemment été pensionnaires à la Casa de Velázquez à Madrid.

Bice Curiger, directrice artistique de la Fondation et co-commissaire de l’exposition s’entretient avec Laura Owens autour de l’exposition « Laura Owens & Vincent van Gogh » présentée du 19.06 au 31.10.2021.

Durée : 45 minutes
Version originale anglais, sous-titrée en français

Vidéo en anglais, sous-titrée en français
Durée : 10 min

Les films présentés à cette occasion révèlent tous des types de relations singulières entre humains et animaux. Au cours d’errances nocturnes ou de fantasmes éveillés, corbeaux, chiens errants, sangliers et hippocampes deviennent bien souvent les personnages principaux de ces créations fictives ou documentaires. À travers les points de vue qu’ils et elles choisissent, ces artistes interrogent la part de rêve contenue dans notre entente avec les différents acteurs du monde vivant, avec lesquels nous partageons les mêmes espaces de vie.

Programme :

Patrick Goddard, Whoopsie’s Dream, 2022, 20 min
Anglais sous-titré en français

Patrick Goddard est né en 1984 et vit et travaille à Londres. Diplômé des universités d’Oxford et de Goldsmiths, il crée principalement des vidéos, des sculptures et des installations, tout en travaillant également avec la photographie, la peinture et le dessin. Ses œuvres narratives et politiquement chargées se minent elles-mêmes avec une comédie noire autodestructrice, car elles retracent les tentatives maladroites de l’artiste de créer une intégrité personnelle et politique. Ses œuvres portent sur un large éventail de sujets : l’écologie, l’Anthropocène et l’animal, la politique raciale, la gentrification et l’urbanisation.

Benjamin Mouly, For the birds, la sieste, 2022, 15 min

L’homme a décidé d’aller se reposer au grand air. Il se love dans un tapis d’herbe confortable et un corbeau s’invite à ses côtés. Du crépuscule au petit jour, trouver le sommeil devient alors une entreprise périlleuse pour nos deux hôtes.

Né en 1987, Benjamin Mouly est artiste plasticien. Après une année de résidence à la Casa de Velázquez de Madrid entre 2019-2020, il vit et travaille à Marseille. Benjamin Mouly développe une pratique pluridisciplinaire traversée par la question de l’image. En utilisant la vidéo, la photographie, l’installation ou la performance, il investit l’écart entre l’expérience corporelle et visuelle d’un réel instable et les techniques normalisées de sa capture.

Andro Eradze, Nightvision, Limited access, 2021, 3 min

Andro Eradze, né en 1993, vit et travaille à Tbilissi, en Géorgie. Il a étudié à la Shota Rustaveli Film Academy, ainsi qu’au programme MFA du CCA-T (Center of Contemporary Art Tbilisi). La pratique d’Eradze étudie la potentialité de l’animisme en tant que méthode. La photographie, les installations, les pratiques de cinéma expérimental et la vidéo se fondent dans un projet contemplant le présent qui s’estompe, dans lequel l’Anthropocène vacille, et tout fonctionne indépendamment de lui. S’appuyant sur l’héritage des approches alternatives de la réalité – surréalisme et réalisme magique –, ses images brouillent la distinction entre l’imaginaire et le réel.

Jean Painlevé, The Seahorse (L’Hippocampe), 1934, 15 min

Jean Painlevé est un réalisateur et biologiste français né en 1902 à Paris et mort le 2 juillet 1989 à Neuilly-sur-Seine. Étudiant la zoologie et la biologie avant de se consacrer au cinéma, il développe tout au long de sa carrière des techniques innovantes lui permettant de filmer de manière sous-marine ainsi que de réaliser des plans rapprochés. Il réalisera plus de 200 films, et participera à la démocratisation du documentaire animalier – son film L’Hippocampe rencontrera ainsi un véritable succès public. Proche de la pensée anarchique, il s’engage au début de la guerre dans la Résistance, et réalise Le Vampire (1945) film traitant du nazisme au travers de l’étude d’une chauve-souris d’Amérique du Sud. Le musée du Jeu de Paume à Paris lui a consacré une importante rétrospective en 2022.

Louise Lawler, Birdcalls, 1972–81, audio, 7min
LeWitt Collection, Chester, Connecticut

Pour cette œuvre, Louise Lawler a sonné les noms de divers artistes masculins bien connus – dont Vito Acconci, Carl Andre et Donald Judd – à la manière de cris d’oiseaux. L’humour et l’esprit sont contrebalancés par le fait que ces artistes masculins blancs sont continuellement reconnus comme étant à l’avant-garde de l’art, de ses discours et de ses histoires, sans qu’aucune attention symétrique ne soit accordée aux contributions significatives des femmes artistes et des artistes de couleur dans les discussions sur l’esthétique avancée.

Elsa Brès, Aux coups de fusil qu’on entend, 2022, 16 min

Elsa Brès est née en 1985 et vit à Bréau, dans les Cévennes. Elle est diplômée du Fresnoy – studio national d’arts contemporains en 2017 et de l’école d’architecture de Paris-Belleville en 2012, où elle a enseigné la théorie de l’architecture et du paysage. Ses films et installations s’attachent à des forces de résistance dans les paysages contemporains, et mêlent recherches, récits et expérimentations. Elle développe actuellement un nouveau film dans la région rurale française où elle vit, qui traite des sangliers comme alliés de lutte : Les Sanglières.

Du 22 avril au 14 mai 2023, près de 40 artistes et 1000 œuvres seront exposées dans différents lieux arlésiens (Palais de l’Archevêché, musée Réattu, Espace Van Gogh (ancien Hôtel-Dieu), Fondation Van Gogh Arles, LUMA Arles (Les Forges), Croisière – Actes Sud, Museon Arlaten, enclos Saint-Césaire).

La Fondation Vincent van Gogh Arles dédie ses espaces d’exposition à cette première édition du festival en accueillant l’exposition « Dessin à la marge » avec le travail des artistes Victor Hugo, Aloïse, Marcel Bascoulard, Pierre Tal Coat et Jean Raine.
À cette occasion sera également exposée la toile Arbres, peinte par Vincent van Gogh en juillet 1887 lors de son séjour parisien et prêtée par le Van Gogh Museum d’Amsterdam à la Fondation.

Les œuvres présentées, conçues à l’issue d’une guerre mondiale dévastatrice et de migrations forcées, signent une libération collective autant que personnelle, qui passe par la prise en compte des conditions matérielles, mais également humaines et naturelles, de leur création.

Au sein de l’exposition, la Fondation Vincent van Gogh Arles propose de porter le regard vers une création plus antérieure. Il s’agit de l’œuvre peinte de Vincent van Gogh, que beaucoup considèrent comme postimpressionniste et précurseur du fauvisme et de l’expressionnisme. Cinq de ses tableaux, réunis sous le titre « Sols fertiles », soulignent son apport vivace à l’histoire de l’abstraction gestuelle et matérielle.

L’exposition met en lumière d’autres apports majeurs à la création plastique à partir de 1945, en élargissant le panorama vers les tendances radicales et évènementielles (qui se développeront plus tard au cours des années 1960 et 1970 dans les domaines de la danse et de la performance). Ainsi, les genres conventionnels se superposent, se nourrissent les uns les autres et se dissipent.

Cette exposition itinérante est le fruit d’une étroite collaboration entre la Whitechapel Gallery, la Kunsthalle Bielefeld et la Fondation Vincent Van Gogh Arles.

PROGRAMME :

Van Gogh, d’Alain Resnais (France, 1947)
Documentaire, 18 min
Ce film tente de retracer, uniquement à l’aide de ses œuvres, la vie et l’aventure spirituelle de l’un des plus grands peintres modernes. Si le génie et l’importance de Vincent van Gogh sont aujourd’hui universellement reconnus, l’artiste a dû lutter et travailler désespérément, dans la misère et au milieu d’une indifférence presque générale, pour essayer d’atteindre à travers sa peinture l’absolu qu’il entrevoyait.

A musa de Van Gogh, de Thiago Pedroso et Rafael Frazão (Brésil, 2013)
Fiction, 15 min
Que ferait Van Gogh à São Paulo ? Le film imagine comment vivrait aujourd’hui le grand peintre, ou du moins l’un de ses spectres : celui qui veut sortir de la solitude en se promenant dans l’une des plus grandes villes du monde : São Paulo.

Mona Lisa Descending a Staircase, de Joan C. Gratz (États-Unis, 1992)
Animation, 7 min
Utilisant le morphing et la glaise peinte, une technique d’animation dont elle est la pionnière, Joan C. Gratz explore les travaux de 35 icônes de l’art moderne, de Vincent van Gogh à Pablo Picasso en passant par Andy Warhol, et met en valeur un siècle de création artistique.

Vincent 2, le retour de Xavier Coton (France, 1991)
Fiction, 23 min
Le titre hollywoodien de ce court métrage annonce un hypothétique retour de Vincent van Gogh à Arles dans les années quatre-vingt-dix. Le réalisateur joue avec les anachronismes et offre l’occasion de découvrir Theo et Vincent communiquer par téléphone…

Bavure, de Donato Sansone (France, 2018)
Animation, 5 min
Bavure dépeint l’évolution d’un être, depuis sa création jusqu’à sa prise de conscience des mystères de l’univers, et propose une métaphore de la création du monde doublée d’une parabole sur la création artistique.